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Jack Reacher (Christopher McQuarrie, 2012)


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Un sniper tire sur des civils et est rapidement arrêté. Sur son lit d'hôpital, il demande aux autorités de contacter Jack Reacher pour l'innocenter, alors que tout l'accuse. Jack Reacher, un loup solitaire d'une efficacité redoutable, commence son enquête... La tuerie du sniper n'est pas aussi évidente qu'elle n'y paraît, quelque chose se cache derrière...

Mister Perfect... Comme depuis bien des années, le scientologue apparaît une fois de plus dans la peau d'un héros absolument infaillible à qui tout réussit : il pige tout très vite, il n'a peur de rien et il est super efficace quand il se bat ! Le scénariste de Usual Suspect, réalisateur de Mission Impossible 5, accouche donc sur l'écran de Jack Reacher, sorte de vigilante super flic aux méthodes directes et expéditives... Jack Reacher a divisé la rédaction, étrangement coincé entre l'étron de divertissement vide, le plaisir coupable et une efficacité bien palpable... On fait le tour de la "chose"...

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La Cinquième Colonne (Sabateur - Alfred Hitchcock, 1942)


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En pleine seconde guerre mondiale, Barry Kane, un ouvrier qui travaille dans les usines d'armement, est accusé de sabotage. Traqué par la police, il tente de retrouver la trace du véritable saboteur pour se disculper. Son enquête l'entraînera au coeur du puissant réseau de conspirateurs actif aux Etats-Unis, au beau milieu de la "cinquième colonne"...

Avec déjà pas mal de réussites, pour ne pas dire "chefs-d'oeuvre", à son actif, c'est en pleine guerre que Hitchcock participe à l'effort de guerre en livrant ce film patriote et propagande... Bien que sur une tonalité très différente d'un autre "petit film patriotique" tourné cette même année, l'immense Casablanca, La Cinquième Colonne se découvre encore aujourd'hui non seulement comme un superbe représentant de ce cinéma patriotique d'alors, mais aussi comme une véritable bande-annonce des prochains grands films d'espionnage d'Hitchcock, et tout particulièrement La Mort Aux Trousses.

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La Vie Privée de Sherlock Holmes (Billy Wilder, 1970)


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50 ans après sa mort, conformément à ses volontés, les écrits du docteur Watson, biographe du grand Sherlock Holmes, sont enfin dévoilées. On y trouve ce que l'histoire ne dit pas sur Holmes, sur l'homme qui se cache derrière ce mythe, notamment au travers du récit d'une enquête restée dans l'ombre du grand public : l'enquête Gabrielle Valladon, le plus grand "échec" de Holmes, qui conduisit Holmes et Watson jusqu'aux bords du Loch Ness...

C'est avec cette enquête, "la plus scandaleuse" (dixit Watson), que Billy Wilder (Témoin à Charge, Certains l'Aiment Chaud ou La Garçonnière) contribue à la liste déjà longue des adaptations du célèbre détective. Bien loin de se suffire de l'écrasant génie du plus grand cerveau de l'Angleterre Victorienne, Wilder invente une nouvelle aventure de toute pièce (une femme amnésique débarque chez Holmes, des nains, le monstre du Loch Ness...) afin de faire apparaître ce que l'oeuvre de Conan Doyle avait omis de décrire : l'homme derrière le détective, avec ses démons et ses failles...

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Le Retour de la Panthère Rose (Blake Edwards, 1975)


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La Panthère Rose est de nouveau dérobée ! L'inspecteur Clouseau est désigné pour enquêter, tout porte à croire que le voleur est le Fantôme, dont la signature a été retrouvée sur le lieu du vol. Clouseau tente de le localiser par sa femme, en Suisse, alors que le Fantôme est à Lugash et tente de retrouver le voleur qui se fait passer pour lui...

Encore enivré de The Party et de Quand l'Inspecteur s'Emmèle, nous avons prolongé l'expérience Sellers-Edwards avec ce troisième Panthère Rose. Conforme à nos souvenirs ce retour, 10 ans après le précédant "retour", est le premier vrai bémol de la série, maladroit et poussif, même si Clouseau parvient à arracher quelques sourires.

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La Griffe du Passé (Jacques Tourneur, 1947)


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Jeff Bailey tient un garage. Avec la visite de Joe, l'homme de main de Whit Sterling, son passé va resurgir... Avant Jeff était détective privé. Whit n'a certainement pas oublié que Jeff s'était enfui avec celle qu'il recherchait : Kathie Moffat lui avait alors dérobé une importante somme d'argent... Avec Joe, ce sont les problèmes qui reviennent aussi dans sa vie tranquille.

Le nom de Jacques Tourneur évoque immédiatement  à la rédaction La Féline, dans lequel l'amour qui s'avançait était une malédiction. Dans la Griffe du Passé, la malédiction surgit du pasé de Jeff Bailey, personnifiée par un amour passé avec Kathie Moffat, belle, manipulatrice, mais aussi annonciatrice des pires augures...

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A Cause d'un Assassinat (The Parallax View - Alan J. Pakula, 1974)


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Des années après l'attentat d'un sénateur, les témoins potentiels semblent être assassinés les uns après les autres. Joseph Frady, un journaliste, mène l'enquête et découvre une mystérieuse entité qu'il tente d'infiltrer : Parallax, une organisation qui "recrute" dans ses rangs des individus instables.

Alan J. Pakula à laissé dans sa carrière nombre de petits thrillers dont il faut retenir Klute, Les Hommes du Président et ce Parallax View.  Ici, c'est autour d'une entité qui organise des meurtres, qu'il nous livre un film de complot plutôt passionnant et délicieusement parano, directement inspiré par l'enquête sur l'assassinat de John Kennedy.

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Aux Yeux de Tous (Cédric Jimenez, 2011)


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Un attentat dans une gare parisienne met la police en échec : aucune image de vidéo-surveillance n'étant disponible. Mais un hacker met la main sur des bandes qui identifient les poseurs de bombe. Il décide de mener son enquête, à distance, à l'aide du réseau de télésurveillance de la ville pour identifier les commanditaires.

Première réalisation, audacieuse et ambitieuse, de Cédric Jimenez, Aux Yeux De Tous propose au spectateur une enquête le cul sur une chaise ! Entendez par là qu'un hacker de génie utilisera ses compétences de hacker pour utiliser tous les moyens de télésurveillance disponibles (publics comme privés : caméras, webcams, mobiles, etc...) afin de de traquer et identifier les terroristes. Le film de Cédric Jimenez alterne alors une modeste chambre et une myriades de plans de vidéo-surveillance.

Enquête atypique et passionnante (sur le papier en tout cas) au regard de la technologie qui nous entoure et, potentiellement, nous épie, Aux Yeux de Tous est à bien des égards soigné et fort bien conçu. De la caméra du métro à celle du carrefour, de notre petite webcam au réseau de surveillance du parking, Cédric Jimenez exploite non sans habilité cette omniprésence des yeux et oreilles technologiques, et la place dans les mains d'un Anonymous_26, au nom de la vérité et de la justice... Techniquement, on pourra voir dans Aux yeux de Tous une très intéressante prolongation du concept des films Lost Footage ou Found footage (Apolo 18, Apartment 143, Grave Encounters...) qui pullulent dans le genre fantastique.

Mais si bien pensés soient les "trucs" développés pour assurer la continuité du scénario, le rythme et l'intensité de son enquête, Aux Yeux De Tous peine quand même à convaincre. Rapidement, le petit génie est un peu "too much", et même si la démonstration du réalisateur est intéressante sur la big-brotherisation, elle tourne à l'hyper démonstratif avec la facilité et l'hyper maîtrise des petits doigts de notre apprenti enquêteur... : trop simple, trop facile, la crédibilité en prend un coup ! Et plus gênant encore, cette distance imposée avec les personnages, inlassablement, par écran interposé, empêche toute empathie avec ses personnages, quels qu'ils soient. C'est là peut être aussi une volonté de son réalisateur, mais il en résulte un vide émotionnel qui nuit au film et aux enjeux de ses personnages. Enfin la musique, maladroitement exploitée, ne se fait entendre que pour imprimer un rythme artificiel lorsque les images viennent à en manquer...

On salue donc ce premier film de Cédric Jimenez comme une très belle idée, doublée d'un riche potentiel, mais hélas, il souffre de sa réalisation trop "limitée", se heurtant à ce qui ressemble à un seuil de compétence (malgré son inventivité et ses indéniables qualités !) au regard de l’exigence de son scénario. Aux Yeux des Autres marque quelques points, c'est sûr, mais on reste sur sa faim devant une maîtrise insuffisante, une intensité en dents de scie et son rythme souvent artificiel. Pas mal, mais peut mieux faire !

Procurez-vous Aux Yeux de Tous ou d'autres films de Cédric Jimenez ou avec Olivier Barthelemy ou Mélanie Doutey

L'Etrangleur de Boston (Richard Fleischer, 1968)


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A Boston, un tueur en série étrangle et viole des vieilles femmes chez elle. La peur s'empare complètement de la ville lorsqu'il s'attaque aussi aux femmes plus jeunes et que le nombre des victimes augmente alors que la police piétine. La Ville de Boston crée un Bureau de l'Etrangleur pour endiguer la série de crimes.

C'est en regardant L'Etrangleur de Boston que la rédaction de Doorama à pardonné à Richard Fleischer d'avoir pondu Kalidor et malgré d'autres bons films comme 20 000 Lieues Sous La MerLes Vikings et Soleil Vert.

Tiré d'un fait divers réel, L'Etrangleur de Boston est une passionnante réalisation (la meilleure de Fleisher ?) qui propose un film divisé en deux parties très différentes. La première partie installe l'enquête et la paranoïa suscitée par les crimes, notamment  par une impressionnante utilisation du Split-Screen (l'écran divisé en plusieurs images), judicieuse, inventive et riche de sens comme rarement. Sa Seconde partie plus psychologique, denuée de split screens mais pas d'inventivité de mise en scène, basée sur la confrontation entre l'enquêteur, Peter Fonda, et un tueur superbement joué par Tony Curtis.

Derrière la simple enquête policière, méticuleuse et passionnante, Richard Fleischer soulève la question du soin que la société se doit d'apporter à ses éléments malades, puisque la schizophrénie du tueur cache la culpabilité de son auteur dans une double personnalité. Le coupable n'est pas directement l'homme arrêté, mais celui qui se cache en lui, transformant la seconde partie du film en une autre forme d'enquête, psychologique cette fois, et à la chute vertigineuse. L’Étrangleur de Boston prends des allures de thriller atypique, ancré dans la réalité, très documentaire, il dépasse le simple frisson par une réalisation ambitieuse et riche, et le profil de son coupable, bon père de famille renfermant un monstre.

Même si ce thriller accuse légèrement son âge quand au le rythme de l'enquête de sa première partie, il propose encore aujourd'hui une impressionnante ouverture sur la société américaine de la fin des 60's, livrant au spectateur une multitude d'aspects sociaux (climat, minorités, justice, mentalité...) qui enrichissent à merveille son sujet. L’Étrangleur de Boston intéresse, passionne, surprend et convainc totalement le spectateur, il soulève aussi l'interrogation sur la responsabilité de son tueur. Dans cette période de "l'Amérique des assassinats",  L’Étrangleur de Boston fait figure de curiosité, loin du divertissement, sa magnifique réalisation et les questions qu'il aborde le rangent simplement dans la catégorie des grands films. Nous oserons même dire "film moderne" ! Voyez-le, vous comprendrez...

Procurez-vous L'Etrangleur de Boston ou d'autres films de Richard Fleischer ou avec Tony CurtisHenry Fonda ou George Kennedy

Suicide Club (Sion Sono, 2001)


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A Tokyo, sur le quai d'une gare, 54 étudiantes se suicident ensemble  en se jetant sous un train. C'est le début d'une vague de suicide dont les causes ne sont peut être pas si naturelles et spontanées que cela. La Police débute son enquête...

Premier film de Sion Sono, Suicide Club déconcertera plus d'un spectateur, entre la personnalité imposante du cinéaste (Guilty Of Romance, Jelly Fish)et ses choix artistiques. Si Suicide Club est ponctuellement rythmé de dérapages gores, Sion Sono nous convie pourtant à un film hors norme en forme de charge contre la société, en forme de cri !

Suicide Club se base sur le taux impressionnant de suicide chez les jeunes japonais pour présenter ce fait social comme une mode, en objet de manipulation, ou en véritable crime.... et en fait qu'importe cette forme pour son réalisateur, puisqu'il brouillera les pistes à plusieurs reprises et refusera de livrer au spectateur les causes réelles  de ces suicides. Pour Sion Sono, il est plus important de "jouer" avec ces suicides, d'en rire presque, et surtout de pointer du doigt notre société et son rythme fou (rythme des chansons chantées par des gamines de 12 ans, mais aussi rythme des modes...).

Passé une première partie orientée autour de l'enquête policière (notamment autour d'un rouleau de peaux humaines retrouvé après chaque suicide de groupe...), Suicide Club abandonne alors sa régularité policière et narrative pour multiplier les pistes et les symptômes. Débarquent alors dans le film une bande de rockeurs Glam qui se réclament à la base de la vague de suicide, la piste d'un code caché dans un morceau de musique crétin de consommation de masse, le poids de la société nippone sur les jeunes, des ados désoeuvrés, la responsabilité des adultes dans cette vague, etc... Sion Sono se lâche alors, abandonnant presque son film, pour exprimer une série critiques désordonnées, fébriles et erratiques, d'une société nippone qui préfère réhabiliter ses pratiques ancestrales plutôt que de faire face à son nouveau visage abêtissant. Sion Sono provoque, se révolte, exprime sa colère devant la société nippone : Suicide Club est son cri.

Suicide Club est souvent qualifié d'OVNI cinématographique, et c'en est un ! Son véritable intérêt n'est pas dans sa mise en image (plutôt médiocre), mais dans l'énergie qu'il dégage. Tantôt dérangeant, tantôt barré et décousu, le film de Sion Sono est un film malade sur une société malade qui dégage cependant un réel pouvoir de fascination. A l'exception des 54 étudiantes qui ouvrent le film, Suicide Club ne laisse pas de souvenirs impérissables, pourtant il se découvre avec beaucoup d'intérêt et de curiosité et, surtout, il cache en son sein un réalisateur incontrôlable au style et à la personnalité fascinant. A la rédaction on aime bien quand c'est aussi peu lisse !


Procurez-vous Suicide Club ou d'autres films de Sion Sono 

Mad Detective (Johnnie To & Wai Ka-Fai, 2008)


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Une série de braquages est commis avec l'arme de service d'un inspecteur de police qui reste introuvable. Pour avancer dans une enquête qui piétine, l'inspecteur Ho fait appel à l'inspecteur Bun, son ancien supérieur, mentor et brillant profiler, évincé de la police pour maladie mentale.

La vague du polar Hong Kong s'est maintenant retirée depuis longtemps, emportant avec elle nombre de projets creux, puérils ou inutilement démonstratifs, mais elle nous a heureusement laissé Johnnie To, dont le filmographie éclipse avantageusement celle d'un John Woo surestimé, usé et fini depuis longtemps.

Il faut comprendre que derrière Mad Detective ne se cache pas un héros téméraire et bondissant, par "détective fou", il faudra bien envisager la folie sous son aspect médical, et c'est là tout l'intérêt du film : la poursuite d'une enquête rationnelle et "ordinaire" au travers de sa progression irrationnelle.

Mad Detective impose son originalité en déplaçant ses enjeux habituels de la résolution d'une affaire vers la méthode utilisée pour y parvenir. La réalisation soignée de Johnnie To & Wai Ka-Fai (souvent compères ces deux là...) s'appliquera à donner alors tout son intérêt à Mad Detective, par une très judicieuse mise en image de l'univers de folie du détective Bun (personnage et acteur par ailleurs vraiment excellent !). Brouillages des pistes et multiplication des hypothèses deviennent alors un véritable jeu avec le spectateur, fort bien étayées et représentées grâce à la pertinente "deuxième réalité" de l'inspecteur Bun. Mad Detective livrera même quelques jolis moments comme un repas à quatre, qui est en fait un "3 + 1 imaginaire".

Si l'enquête de Mad Détective ne restera pas forcément dans les mémoires pour son rythme ou son énigme, son déroulement en circuit fermé (des policiers enquête sur un policier disparu) participe pourtant formidablement à créer la tension du film tout en illustrant l'enfermement des personnages dans leur univers respectif (rationnel contre irrationnel). Mad Detective, trop concentré qu'il est sur sa mise en scène, réellement passionnante et réussie, voit son scénario passer au second plan devant le brillant exercice de réalisation : là est peut être la plus grande faiblesse du film.

Mad Detective n'est pas la meilleure oeuvre de Johnnie To (nous lui préférons l'hypnotique mais hétérogène P.T.U. ou le bouillonnant Breaking News), mais elle rentre dans la veine la plus originale et qualitative des productions Hong Kong. Mad Detective parvient délicieusement à réunir le thriller asiatique avec une mise en scène inventive et une réelle ambition artistique. Il peut donc, à ce titre, être une excellente occasion de s'ouvrir au cinéma de Hong-kong, en découvrant un film abouti de l'un de ce ses meilleurs réalisateurs (Johnnie To).
Une très agréable curiosité.
 

Procurez-vous Mad Detective ou d'autres films de Johnnie To

L'Ombre Du Mal (The Raven, James McTeigue, 2012)


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Edgar Alan Poe, malgré ses succès littéraires, a de plus en plus de mal à être publié. C'est alors qu'une série de meurtres s'inspirant de ses oeuvres est commise à Baltimore. Edgar Allan Poe devra même prendre part à l'enquête policière lorsque le tueur kidnappe celle qu'il aime. Le tueur engage alors un jeu de piste machiavélique avec avec Poe.

Cette Ombre du Mal nous vient du réalisateur de l'intéressant V Pour Vendetta. Campé au milieu du 19ème siècle, cette histoire reprend les motifs de jeu de piste sur fond d'indices morbides, à la Seven, et transforme l'écrivain poète en enquêteur criminel, combattant sa propre création.

Curieuse et intrigante idée de scénariste que de transformer des personnages historiques en héros de cinéma ! (Nous découvrirons prochainement Abraham Lincoln : Chasseur de Vampires, dans le même ordre d'idée). L'Ombre du Mal se nourrit donc d'éléments de l'univers de Poe et les assemble autour de (contre) son auteur. James McTeigue appelle pour l'occasion John Cusack pour transformer le poète en détective acharné, torturé par son oeuvre. Cette idée amusante ne dépassera hélas pas le stade du "prétexte", puisque l'écrivain n'apportera strictement rien à l'enquête, ne servant que de simple alibi aux choix littéraires des scénaristes. Néanmoins, L'Ombre Du Mal constituera au moins un agréable film en costume dont l'esthétique soignée n'est pas sans rappeler certains climats victorien de la Hammer ou le récent Sherlock Holmes 2, mais en plus convainquant.

Enquête un peu glauque, certes jolie dans sa forme, L'Ombre du Mal n'apportera rien d'autre que du déjà vu, qu'une enquête aux ressorts un peu rouillés au scénario peu imaginatif. Sa conclusion à la limite du bâclé achèvera de nous convaincre non pas du formidable potentiel fantastique de l'oeuvre de Poe (le fallait t'il ? le cinéma regorge déjà de maintes adaptations...) mais du terrifiant manque de courage et d'imagination de son scénario ! Comme La Ligue Des Gentlemen Extraordinaires (qu'est ce qu'on ne l'aime pas celui-là à la rédaction !) qui cherchait à compiler plusieurs univers dans un gigantesque défouloir, L'Ombre Du Mal puise son inspiration dans les classique et tente d'en faire un divertissement aussi familier que riche. Hélas...

L'Ombre du Mal tient davantage du pillage intellectuel que du divertissement. Il tente vainement de trouver le petit plus qui transformera ses objectifs mercantiles en véritable divertissement de qualité, mais son pseudo alibi culturel fait d'emprunts littéraires n'arrive pas à cacher sa mécanique usée et bien trop familière. Dans l'absolu, L'Ombre du Mal n'est pas complètement raté, mais on se dit après sa vision que ses auteurs ont essayé de nous faire prendre des vessie pour des lanternes... C'est limite. La seule ombre que ces lanternes laissent entrevoir, c'est la vague ombre d'une bonne idée, c'est tout.

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Blade Runner (Ridley Scott, 1982)


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En 2019, l'homme parvient à fabriquer des androïdes identiques à l'homme : Les Répliquants. Lorsque quelques répliquants s'échappent de leur condition de machines pour vivre parmi nous, et d'autant plus lorsqu'ils ont tués des hommes, on appelle alors un Blade Runner, sorte de détective chargé d'effectuer le "retrait" de ces êtres.

Second chef-d'oeuvre de SF de Ridley Scott (et chef-d'oeuvre du cinéma de SF tout court !), Blade Runner est l'adaption du roman  Les androïdes rêvent-ils de moutons électriques ?de Philip K. Dick qui s'interroge sur la conscience humaine qui la technologie de l'homme pourrait donner à ses créations : des êtres qui agiraient, penseraient et ressentiraient les émotions 100% comme nous mais auxquels les Droits de l'Homme seraient refusés en quelque sorte.

Blade Runner parsème son film de toutes ces questions, patiemment, quand son scénario s'y prête une interrogation fait "pop". Face à la complexité de la thématique, Ridley Scott choisit de nous mener vers la réflexion (si on fabrique un humain, est il humain ? S'il n'est pas humain : et nous ?) par touches successives plutôt que de nous écraser sous sa propre vision. Blade Runner retrouve l'essence même de la SF, plutôt que de simplement "jouer" dans un futur possible avec des projections de notre présent, il aborde les problématiques sous un aspect presque philosophique et réintègre notre réflexion dans notre présent. Nous le disions pour Alien, mais c'est encore le mot "intelligence" qui caractérise le film de Ridley Scott.

E
t puis impossible de ne pas rendre hommage à la gueule de ce film ! Blade Runner proposait il y a 30 ans de cela, une certaine vision du monde de demain : mégalopoles à la Tokyo envahie de messages de consommation, grand écart social, ville en effervescence permanente, technologies pas trop fantaisistes... Aujourd'hui tout cela tient encore parfaitement la route (même si un gros logo Atari fait sourire...). La vision du futur de Blade Runner a incroyablement passé ces 30 années : le film est visuellement cohérent, ambitieux et encore jeune ! C'est l'occasion de rendre hommage aux effets visuels de Douglas Trumbull, hallucinant de beauté et de modernisme. C'est qui Trumbull ? Juste le mec en charge des effets visuels de 2001 l'Odyssée de l'Espace, et Rencontre du Troisième Type ! Un magicien quoi !

E
nfin, pour ceux qui ne l'auraient jamais vu, Blade Runner possède un rythme et un climat très particulier, très fort aussi. Film de SF, il se teinte pourtant d'un traitement de film de détective très 50's, même si cet aspect est gommé dans la version Director's Cut (plus de voix off !), et comme pour retrouver cette ambiance noire et feutrée, Ridley Scott prend son temps pour raconter son histoire (nous laissant par là aussi le temps de réfléchir...), il adopte le rythme lent et tranquile du détective Deckard... (avec son appartement, sorte de bureau-bulle, son whisky, ses souvenirs, la souris qui va avec (Sean Young), ses problèmes...). Et puis il y a Rutger Hauer, calme lui aussi, hypnotisant...

B
lade Runner est un film rare, élaboré avec un soin qui transpire dans chacun de ses plans. Plastiquement superbe, fascinant à regarder et foisonnant de sujets de réflexion, c'est un incontournable du cinéma de science-fiction, un incontournable tout simplement. On aime le répéter à chacune de nos chroniques sur Scott, mais quel énorme faiseur de rêve ce bonhomme !

Procurez-vous Blade Runner ou d'autres films de Ridley Scott ou avec Harrison Ford ou Rutger Hauer

Témoin A Charge (Witness for the Prosecution, Billy Wilder, 1957)


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Un avocat en convalescence accepte de défendre un homme accusé d'un crime, alors que tout l'accuse. Mais lors du procès le témoignage de son épouse va bouleverser l'issue du procès.

Le film de procès est un genre à part entière à Hollywood. Avec Témoin à Charge, il trouve l'un de ses plus beau fleurons, à ranger pas si loin du puissant 12 Hommes en Colère réalisé la même année. Comme ce dernier, Témoin à Charge est une adaptation d'une pièce de théâtre (ici d'Agatha Christie), mais son réalisateur est bien moins solennel, puisque c'est l'homme de Certains l'Aiment Chaud, 7 Ans de Réflexion ou encore La Garconnière qui s'y colle : l'alerte Billy Wilder.

Mis en scène de main de maître, la très forte tension dramatique de Témoin à Charge (avec ses multiples rebondissements) se teinte avec Billy Wilder d'une once d'humour, concentrée autour du caractère de l'avocat et son infirmière. Grâce au personnage haut en couleur de cet avocat un peu filou, joué par un Charles Laughton croustillant et malicieux, Billy Wilder parvient à compenser une mise en scène un poil théâtrale (quasi en hui-clos), par une certaine souplesse, un coté plus "rond", plus léger, qui contraste harmonieusement avec la rigueur d'une cour de justice londonienne.

Passionnant jusqu'à son final aussi mouvementé qu'inattendu (les producteurs, comme dans Les Diaboliques nous invitent à ne pas vous raconter la fin... et pour cause !) Témoin à Charge possède une classe et une efficacité merveilleusement conservées aujourd'hui encore. Son jeu de chat et la souris entre vérité et mensonge, mais aussi entre son avocat et ses interlocuteurs (justice comme clients) transforme ce procès en une méticuleuse quête de la vérité, pleine de rebondissements et tout en tension. 

Mis en scène au cordeau, acteurs de légende (Tyrone Power, Marlène Dietrich impériale) et rythme fluide, Témoin à Charge est un peu de ces films intemporels (son sujet peut être) qui fonctionne à chaque vision. Pas le plus drôle des Wilder (c'est pas son but !), mais un film brillamment réussi dont les deux heures semblent n'en faire qu'une, tant la mécanique "Agatha Christien" joue à plein. Un film de procès à la mécanique fine et imparable : absolument savoureux.

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Mains Armées (Pierre Jolivet, 2012)


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L'enquête de Lucas Skali sur un trafic d'arme le mène avec ses hommes sur Paris. Sa fille travaille aux stups, et bien qu'il ne l'a pas vu grandir, Lucas entre en contact avec elle pour d'éventuelles informations sur la partie drogue de son enquête.

Mains Armées emmène le spectateur dans une dangereuse et complexe enquête policière, mêlant trafic d'armes et de drogue sur fond de filière serbe, et faisant intervenir deux services de police distincts. Pierre Jolivet place le père dans l'un, sa fille dans l'autre, et profite de cette opposition de style et de méthode, pour ajouter à son enquête la dimension intime et psychologique d'une relation difficile.

La partie purement policière de Mains Armées s'inscrit dans la veine réaliste actuelle du policier à la française, pas loin de ceux de Olivier Marchal, mais avec des flics moins torturés. Sans atteindre l'intensité d'action de la série Braquo, Mains Armées propose quelques morceaux particulièrement efficaces, et s'avère dans son ensemble tout à fait passionnant à découvrir. On appréciera d'autant plus la  réalisation précise et fluide de Pierre Jolivet qu'elle est accompagnée d'une excellente BO, à la limite de l'Ambient, qui sied parfaitement au rythme tendu de ses scènes d'action.


L'autre partie de Mains Armées se concentre sur la relation filiale, relation qui n'a en fait jamais été, entre le grand flic entièrement dévoué à son travail et sa fille, aussi fragile dans sa vie personnelle qu'insatisfaite dans son métier. Pierrte Jolivet aborde avec beaucoup de pudeur et de subtilité la relation difficile qui les unis et ne tombe à aucun moment dans le facile ou le pathos.


Si Mains Armées à beaucoup d'atouts pour séduire, cette dualité des enjeux du film vient cependant troubler le bon déroulement du film, comme d'ailleurs la relation difficile entre les personnages viendra troubler l'enquête. Délaissant régulièrement l'intensité policière pour construire sa partie plus intimiste, Mains Armées sabote du même coup son rythme. Passé un premier tiers fort bien mené, le film hésite entre ses deux sujets et peine à leur donner chacun le rythme nécessaire. Lorsque les enjeux se rejoindront enfin, faute d'avoir trouvé chacun le bon tempo, ils se télescoperont dans un final à la limite du décevant (sinon déconcertant) tant Jolivet renvoie le spectateur à sa propre opinion, le congédiant presque, et le privant du même coup d'une fin aboutie.


Mains Armées propose deux bons films en un, mais rate la fusion de ses deux sujets. Certains argueront que certaines enquêtes ne se referment pas et que certaines blessure non plus, mais notre impression est plutôt que son réalisateur n'a pas entièrement réussi son pari, et que faute d'osmose de ses ingrédients, sa fin retombe comme un soufflé ! Mains Armées commence superbement et se termine avec moins de superbe, mais il nous restera tout le reste du film pour notre plaisir : à savoir un scénario intéressant porté par d'excellent acteurs. Les mauvaises langues diront "policier du dimanche soir sur TF1", ça résumerait assez bien ses défauts, mais ça serait aussi refuser à Mains Armées toutes ses généreuses qualités. Pour une fois qu'un film qui ne venait pas à nous les mains vides !

Procurez-vous d'autres films de Pierre Jolivet ou avec Roschdy ZemLeila Bekhti ou Marc Lavoine

Twixt (Francis Ford Coppola, 2012)


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Un écrivain sur le déclin fait la promotion de son livre dans une petite ville ou vient d'avoir lieu le meurtre d'une jeune fille. Les étranges rêves qu'il se met à faire lui apporteront l'inspiration qui lui manquait et le mèneront vers la clé du meurtre.

Retour au fantastique de son début de carrière pour l'un des maîtres du cinéma (Le Parrain, Apocalypse Now), avec cette histoire sur la création artistique, entre rêves, enquête, poésie et vampirisme... Coppola surprend et déconcerte, alternant dans Twixt le meilleur comme le pire, touchant de fulgurants moments de cinéma par instants, et flirtant avec l'indigence d'une adaptation de Stephen King à d'autres. Quoi qu'il on soit, on n'ose imaginer ce qu'un autre aurait pu livrer comme abomination cinématographique, là ou Coppola ne nous laisse pas indifférent !

A l'affiche, Val Kilmer et Elle Fanning. Le premier, médiocre au possible, incarnera pourtant à merveille cet écrivain has-been et fatigué (une seconde nature pour Val ?), la seconde est décidément parfaitement bluffante et envoûtante.... Coppola construit autour de ces deux là une forêt de thèmes (la blessure personnelle, la création artistique, un meurtre fantastique...) qu'il entremêle dans un monde onirique et fantasmatique ou l'écrivain mènera même son enquête avec Edgar Allan Poe lui même ! Film d'un cinéaste sur la création, Twixt apparait pourtant bien hésitant quand à son objectif (comme la création elle même ?). Il assemble ses scènes et crée son imagerie avec une facilité évidente, presque insultante, mais coincé entre sa maîtrise technique et la facilité de ses éléments fantastiques, Twixt laisse perplexe. Trop basique ? ou au contraire saturé d'interprétations ? 

On s'étonne donc de la "simplicité" de Twixt on savoure pourtant sa liberté narrative. On (re)découvre un Coppola qui semble avoir voulu se faire plaisir et, comme Scorcese avec son Hugo Cabret (une scène pourra même les rapprocher) l'ami Francis semble faire une révérence polie et sincère, par le cinéma de genre de ses début, à la Machine à Rêve Cinéma, comme ca... juste pour le plaisir.

De loin, Twixt est un petit film fantastique un peu mal foutu, presque prétentieux. Mais à mieux y regarder on y discerne une oeuvre très personnelle, très libre aussi. Coppola propose un film parsemé de visions fortes et de fulgurances : l'univers onirique monochrome éclaboussé de rares couleurs est tout à fait réussi, envoutant, et les 2 premières minutes d'exposition de Twixt valent à elles seules la vision du film (une leçon de cinéma). Oeuvre riche d'un cinéaste incontournable, Twixt ressemble à un plaisir solitaire de son auteur, il tutoie parfois l'extase, puis baisse subitement d'intensité. Quant au spectateur, tantôt excité par un spectacle ambitieux, tantôt blasé par sa banalité, son plaisir ne sera pas pleinement satisfait.

Twixt est un bien curieux Coppola, à la fois magnifique et puissant, mais aussi difforme et faiblard... C'est maléfique !


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Le Juge Fayard dit Le Shériff (Yves Boisset, 1977)


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Un juge d'instruction, tenace et intègre, est amené à mettre au grand jour les collusions entre le grand banditisme et la politique. Malgré les pressions de ses supérieurs et les pressions qui se rapprochent, il poursuit son enquête qui dérange.

Yves Boisset fait partie de ces cinéastes qui "font le job". Avec Le Juge Fayard dit Le Shériff, il signe une fois de plus un excellent film policier et, de nouveau, comme avec Dupont Lajoie ou R.A.S, s'appuie sur des événements réels : ici l'assassinat du juge François Renaud.

Dénonçant l'intrusion de la politique dans le déroulement de la justice, et les connivences avec le milieu, Yves Boisset trouve son inspiration dans les fait-divers entourant "la bande des Lyonnais" (le "toute coïncidence avec des faits réels..." ne dupera personne) et l'assassinat d'un juge. On retrouve donc le même paysage que dans Les Lyonnais d'Olivier Marchal, mais ici vu du coté de la justice, et à notre avis c'est bien plus intéressant et réussi.

Le Juge Fayard dit Le Shériff  est un pur produit de cette époque (on aime voir les héros fumer fébrilement n'importe où, y compris dans leur Renault 4L...), à mi chemin entre l'enquête policière et le sujet de société, mais il reste tout à fait d'actualité quand à la vision qu'il propose de la collusion politique/justice (même si les médias ont maintenant remplacés les balles...). Mais son sujet passionnant n'est pas la seule raison de redécouvrir ce film, l'autre raison, c'est le plaisir de retrouver celui que nous considérons ici à la rédaction, comme l'un des plus grands acteurs français : Patrick Dewaere. Et même s'il ne livre pas sa meilleure interprétation, il construit de bien bel manière ce juge idéaliste au méthodes peu conventionnelles.

Si vous avez envie de vous faire un "bon petit polar", ce Juge Fayard dit Le Shériff fera parfaitement l'affaire. Il vous permettra ainsi de satisfaire vos rétines avec son look 70's et sa réalisation vintage (sans compter l'impressionnante galerie de tronches du cinéma français d'alors, comme François Léotard ou Jean Bouise...) , il flattera vos neurones avec son enquête tout à fais passionnante, et réveillera votre coté citoyen par une inquiétante vision de l'indépendance de la justice. Avec ce Juge Fayard, Yves Boisset a "simplement" signé là un excellent polar qui se redécouvre toujours avec le même plaisir : du cinéma "mineur", mais de grand talent.

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L'hôpital (The Hospital, Arthur Hiller 1971)


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Le docteur Herbert Bock, au bord de la dépression, gère au mieux son hôpital dans lequel se succède une inquiétante série d'erreurs, dont certaines s'avèreront mortelles. Il s'éprend de la fille d'un patient dont le père dans le coma n'est peut être pas étranger aux derniers incidents.

Le film le plus connu de Arthur Hiller est sans doute Love Story, mais faute d'identifier clairement le style de ce réalisateur dans the Hospital, on se contentera de suivre ici une curieuse intrigue amoureuse sur fond d'erreurs médicales.

Nous sommes bien loin d'Urgences, mais on retrouve dans L'Hôpital ce quotidien des médecins, ici traité d'une manière très particulière. The Hospital semble hésiter en permanence entre plusieurs genres, passant de la comédie acide, au film de moeurs intimiste puis au film d'enquête. Ainsi fractionné en plusieurs facettes, chacune intéressantes, le film ne trouve pas sa cohérence, et on est alors un peu passif, voire captif de ses choix narratifs.

Reste que le ton de The Hospital parvient souvent à séduire profondément. Grâce à un sublime George C. Scott (Patton, le superbe Jour du Dauphin) et à sa passionnante interprétation, The Hospital dégage un certain spleen, une vague sensation de désespoir et/ou d'impuissance qui permet pourtant d'aborder avec une belle sensibilité la difficulté d'un métier aussi dur que beau. On n'oubliera pas bien sûr la belle Diana Rigg dans un superbe personnage particulièrement énigmatique, sorte de créature angélique, dans ce gigantesque bâtiment où l'humain, pourtant au centre de tout, semble bien rare.

Petit film oublié, à juste titre diront certains, nous avons pourtant été séduit malgré sa forme maladroite. Si notre plaisir n'était pas complet, le matériau humain abordé dans son scénario nous a en revanche apporté toute satisfaction. Quand à George C. Scott, nous sommes tombé en admiration devant tant de talent : la rencontre avec Diana Rigg dans son bureau est un superbe moment de cinéma, fort et intime, Vrai !

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On The Ice (Andrew Okpeaha MacLean, 2011)


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Dans la petite ville d'Alaska où vivent Qalli, James et Aivaaq, il y a peu de choses à faire et la vie s'écoule doucement. Lors d'une virée pour chasser le phoque, une dispute s'engage et James est tué par accident. Qalli et Aivaaq décident de faire disparaitre le corps, alors que le village entame des recherches...

Plus qu'un thriller, comme le suggère son affiche, On The Ice est avant tout un drame simple et sobre en provenance directe d'Alaska (si rare qu'il fallait le signaler !).

Débutant comme une chronique sociale d'une micro société isolée et se poursuivant sur une pseudo enquête, cette dispute qui tourne mal (et les mauvaises décision des personnages qui s'ensuivent) oriente le film vers le thème de la culpabilité et du mensonge. A des années lumières du film à rebondissement, On The Ice joue la carte de l'intimiste. Dans la petite communauté soudée de cette ville isolée, il est aussi difficile de cacher la vérité que de faire disparaitre un corps au milieu d'un grand nord qui fige et conserve tout...

Le film d'Andrew Okpeaha MacLean est silencieux, resserré sur cette amitié malmenée par le tragique accident. On The Ice installe un climat pesant, il exploite à merveille l'isolement et le dépouillement du paysage désertique dans lequel il se déroule. Pour ainsi dire au milieu de nulle part, ses personnages ne peuvent se cacher, ils sont alors condamnés à voir leurs actes exposés et la vérité éclater.

Atypique, tendu et comme suspendu par le froid, On the Ice est un drame lent et douloureux. Le dénuement dans lequel le drame se forme, n'est pas sans rappeler l'ambiance et le désespoir d'un Winter Bone (mais sans sa dimension sociale). Loin des clichés et des enquêtes criminelles basées sur le suspense, le film propose une intrigue minimaliste, peuplée de personnages fragiles et terriblement attachants. On the Ice n'est ni trépidant, ni exagérément excitant, mais il est une intéressante alternative à la fureur habituelle des thrillers grand public, hors des sentiers battus, comme figée dans le froid, .

Meurtre par Decret (Murder by Decree, Bob Clark, 1979)


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A Whitechapel des meurtres sanglants sont perpétrés par celui que l'histoire retiendra sous le nom de Jack l'Eventreur. Devant une police incapable de faire avancer l'enquête, des citoyens demandent au célèbre détective Sherlock Holmes d'enquêter...

Casting de prestige pour cette fausse adaptation de Sherlock Holmes (puisque Conan Doyle n'a jamais confronté son héros à l'éventreur...) réalisée par Bob Clark (Black Christmas).

Il faudra se contenter de la très bonne ambiance victorienne (bien qu'un peu cheap) pour vibrer sur cette aventure de  Sherlock Holmes, car davantage attentive à la construction d'un Holmes crédible (violon, pipe, caractère, etc...) qu'à entretenir un véritable suspense, le film de Clark peine à exciter notre curiosité et notre intérêt. Comme à son habitude, Holmes à une longueur d'avance sur tout le monde à assembler les morceaux du puzzle, tellement même que tout  mystère disparait de cette énigme avant même que le spectateur ne s’approprie les indices, ôtant ainsi tout aspect ludique à cette enquête.

Christopher Plummer et James Mason donnent une incarnation peu dynamique du duo Holmes-Watson, ne proposant au spectateur qu'un Holmes avare d'explications et un Watson, exagérément passif, peu curieux de les entendre. Quant aux meurtres de Whitechapel, ils ne semblent être présents que pour assurer le caractère horrifique sensé vendre le projet.

Orienté vers la version d'une implication du gouvernement britannique dans ces fameux événements (comme From Hell), Meurtre par Décret peine à assembler de manière excitante et intéressante tous ses éléments scénaristiques. D'un matériel propice à une aventure trépidante et inquiétante, Bob Clark n'a tiré qu'une enquête molle et convenue, comme incapable de créer toute intensité et d'appliquer un quelconque rythme à son film.

Paradoxalement, et en dépit de toutes ses lourdes faiblesses, Meurtre Par Décret dégage pourtant un charme certain. Entre son sujet propre à faire galoper l'imagination et ses décors de studio embrumés (pour masquer leur petitesse...), il reconstitue avec soin le contexte historique de l'Angleterre victorienne et propose un Sherlock Holmes tout à fait crédible et fidèle à l'esprit de Doyle (faute d'être aussi beau, tonique et ludique que Le Chien Des Baskerville de Terence Fisher !).

Bien que trop mou et "raté" sur bien des aspects, Meurtre Par Décret est fidèle à l'esprit de Sherlock Holmes, et cette fidélité "respectueuse" s'avère davantage payante pour notre imagination que les artifices visuels du Sherlock Holmes de Guy Ritchie.
 

La Derrnière Vague (The Last Wave, Peter Weir, 1977)


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Alors que l'Australie subit de curieux troubles météorologiques, à Sydney, un avocat, doit assurer la protection d'un groupe d'aborigènes impliqués dans un homicide. Par le biais de curieux rêves prémonitoires, il va rapidement s'interroger sur l'hypothèse d'un meurtre tribal ainsi que son propre rôle.

Sauf surprise, les plus grands films de Peter Weir sont derrière lui (Witness, Hanging Rock, le Cercle des Poètes Disparus, The Truman Show pour certains) la Dernière Vague en fait partie.

Sur fond d'enquête initiatique et de quête identitaire, La Dernière Vague possède bien des qualités. Sur un scénario ambitieux (fin du monde, cultures ancestrale, parcours initiatique, cause aborigène, rêves prophétiques, etc...) Peter Weir distille un puissant climat de mystère, il développe adroitement les nombreuses facettes de son film pour lui donner une richesse certaine et construire une dimension fantastique complexe et passionnante.

Porté par un Richard Chamberlain excellent (la preuve existe dans ce film), La Dernière Vague propose un étonnant parcours, du film catastrophe à celui de film fantastique, qui s'appuie sur une habile utilisation de thèmes de réflexion comme la cohabitation des cultures, les croyances de nos sociétés et même l'écologie, en filigrane, au travers d"une apocalypse à venir, à laquelle une société demeure sourde à ses symptômes (grêle, pluie noire...).

Paradoxalement, c'est cette même richesse thématique qui viendra troubler le spectateur, puisque aucune clé ne lui étant livré, il se retrouvera seul avec tout ce beau matériaux sans réel notice de montage. La Dernière Vague est une lente prise de conscience, une quête de vérité et d'identité, nimbé d'un impressionnant climat de mystère particulièrement réussi (notamment par l'utilisation de l'Ere des Rêves aborigène - Dreamtime).

Si, à l'image de la météo tout n'est pas toujours clair, il demeure aujourd'hui un film terriblement intriguant qu'il convient de (re)découvrir malgré ses quelques rides (de sagesse) superficielles.
Il réveillera aussi chez certain l'envie de revoir un Wolfen ou bien un Nomads...