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Achille et la Tortue (Takeshi Kitano, 2008)


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Depuis son enfance, Machisu peint, encouragé par ses proches. A la mort de ses parents il continue de peindre. En grandissant, et tout au long de sa vie, il peint. Il peindra tout, tout le temps, et poursuit avec une détermination aveugle son rêve de devenir un peintre reconnu.  

Il y a le Takeshi Kitano de Hana-Bi et Violent Cop, yakuza, cynique, violent et blasé ; il y a aussi le Takeshi Kitano de A Scene At The Sea ou l'Eté De Kikujiro, placide observateur des petites choses de la vie, à l'humour malicieux et empli de poésie et de délicatesse. Achille et la Tortue est donc de cette deuxième catégorie.

Au travers de trois périodes de la vie de Machisu, Kitano dresse le portrait d'une passion obsédante et dévorante, d'une quête acharnée de reconnaissance par et pour l'art seul, d'une passion aussi indispensable et fondatrice pour son personnage que destructrice dans sa vie et son être. Touchant et d'une grande délicatesse, la vie d'artiste de Machisu vue par Kitano, est un chemin de croix qui tait son nom, un chemin difficile et ingrat qui dégage aussi un comique aussi discret qu'efficace. Les différentes périodes picturales de Machisu sont un véritable régal, et l'action-painting vous arrachera sans doute un fou rire intérieur gêné. Tentative après tentative pour trouver son style, Machisu dessine, petit à petit, le ridicule de sa quête, et Kitano remplace progressivement le feu initial par le pathétique d'un homme qui n'atteindra jamais son objectif, tel Achille qui ne rattrapera jamais la tortue malgré son talent...

La mise en scène de Kitano est des plus brillante et réussie, elle passe avec une grande économie de moyens, une émotion véritable et forte. Avec un langage cinématographique, faussement simple, atypique et tellement personnel, Kitano cisèle ses détails et joue des contrastes pour éclairer le spectateur sur ce qu'il découvre. Sous les apparences d'une belle histoire, drôle, touchante et poétique, Kitano met en image une vie ratée, mal vécue et régulièrement marquée par la mort. Achille et la Tortue est au final empli de mélancolie, d'une grande tristesse et d'une immense amertume.

C'est cette capacité qu' a Achille et la Tortue de décrire le triste avec le drôle, de faire apparaître l'ombre derrière la lumière, qui donne au film sa force et sa beauté. Plutôt que de montrer le parcours d'un peintre raté de l'extérieur, Kitano le fait de l'intérieur, en nous communiquant le rêve de son personnage, en n'abordant que l'ambition initiale, pure et entière, jusqu'à en démonter, et nous démontrer, ses mécanismes presque pervers. Kitano aborde l'art par son créateur et non son public, évoquant immanquablement son propre parcours (Kitano, comme Woody Allen est il mieux compris en dehors de son pays que chez lui ?).

Subtil et drôlissime, Achille et la Tortue nous donnerait presque honte de rire du destin de Machisu. Une fois de plus Kitano use à plein de son image et des procédés du clown-triste, il crée l'émotion chez le spectateur en faisant naître dans un même temps rire et larmes. Kitano signe ici un film sur le fil du rasoir, doux-amer, qui vous emmène vers une bien belle expérience, aussi belle dans sa forme que riche de réflexion et d'émotion. Il y a bien un style Kitano (qui en doutait ?), il est ici rayonnant : Achille et la Tortue illumine l'écran et agit sur le spectateur les premiers rayons de soleil du printemps. On adore Kitano, on adore son cinéma, on adore ses silences, son coté Droopy : bref, on adore quand on nous raconte une histoire comme ça !


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Furyo (Merry Xmas Mr Lawrence, Nagisa Oshima, 1983)


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En 1942, dans un camp de prisonniers à Java, John Lawrence sert d'intermédiaire entre les soldats anglais et leurs geôliers japonais. Avec l'arrivée du major Jack Celiers, il verra naître une provocante rivalité avec le capitaine Yonoï, l'officier en charge du camp.

Nagisa Oshima (l'Empire des Sens) choisit deux stars du rock, Ryuichi Sakamoto et David Bowie, pour donner corps à ce que l'on pourrait comparer (à tort ?) à une version japonaise du Pont de la Rivière Kwaï, et aborder la différence culturelle, mais aussi, en toile de fond, l'homosexualité.

Furyo s'intéresse donc à cette guerre qui fait s'interroger sur son ennemi et ses valeurs, cette guerre qui, paradoxalement,  rapproche les peuples (la relation entre Lawrence et le sergent Hara joué par Kitano...). Il oppose la tradition japonais et son sens de l'honneur, qui trouve un sommet avec la mort (le hara kiri), avec la vision occidentale où l'honneur est de survivre et de résister. Et de rapprochement il en sera question puisque Oshima trouble cette confrontation culturelle en installant, derrière la fascination du capitaine Yonoï pour Celiers, une attirance homosexuelle, contraire à toutes ses valeurs. Pour Oshima, la passion et le sentiment est le vecteur de rapprochement entre ces deux cultures distantes, entre deux êtres, leur terrain de rencontre...

Illustrée par la superbe BO de Ryuichi Sakamoto, Furyo est un film ambigüe et d'une grande richesse thématique. Oshima, traitant de la guerre, ne délivre aucune leçon d'humanisme directe (il se contente d'approcher et de soulever les questions sans y apporter de réponse définitives) et, traitant de l'Amour, se contente de décrire son potentiel créateur (de rapprochement, de compréhension, de découverte) sans jamais lui donner vie (un simple geste, une bise, appellera la faucheuse...). C'est cette pudeur des sentiments, refoulés, cachés et contraints par les codes japonais, qui donnent à Furyo sa finesse et son parfum si particulier. Oshima livre un film fin et atypique, un film de guerre subtil (psychologique !), tout en non-dits, théâtre d'une passion aussi problématique que salutaire.


30 ans plus tard, et malgré son rythme vieillissant, Furyo reste un bien curieux film. Réunissant deux stars du rock et une star du comique (le Kitano !), pour parler d'amour et de respect, sur fond de guerre, d'honneur et de fossé culturel, il conserve tout son mystère, sa richesse thématique et sa force. Le "Merry Xmas, Mr Lawrence" lâché par le sergent Hara, résume à lui seul la très large palette émotionnelle et thématique de Furyo... La rédaction de Doorama à véritablement été surprise de constater que Furyo recèle encore autant de vie, autant de dynamisme caché : une redécouverte passionnante.

Procurez-vous Furyo d'autres films de Nagisa Oshima ou avec de Takeshi Kitano ou David Bowie

Battle Royale (Kinji Fukasaku, 2000)


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Afin de "dresser" un peu ces ados qui ne respectent plus les adultes, le Gouvernement a voté la loi Battle Royale. Chaque année une classe est envoyée sur une ile, sous la supervision des militaires, des armes leur sont distribuées, ils ont alors 3 jours pour s'entretuer : 1 seul seulement doit rester debout à la fin.

Kinji Fukasaku est surtout connu pour ses films de yakusas dans les 70's (Combat sans Code D'Honneur, Guerre des Gangs à Okinawa...). Avec Battle Royale il adapte un celèbre roman japonais d'anticipation.

Parfaitement facho sur les bords (mais "pour rire"), le pitch de BR est aussi provocateur que sa violence est graphique. Durant près de deux heures s'enchaînent tueries (variées et énergiques) et ironie sous l'oeil d'un Takeshi Kitano toujours aussi inquiétant et savoureux.

Battle Royale est un grand défouloir sur fond de critique sociale masquée (l'utilisation du classique y résonne comme un lointain écho de la réflexion de Orange Mécanique), mais il se concentre rapidement sur le pur survival extrême et déjanté (quand les japonais se lâchent, le no-limit n'est pas loin !). Série B nerveuse et réjouissante, Battle Royale s'essouffle cependant assez clairement sur sa fin, la faute à le répétition de ces situations mortelles.

Battle Royale n'en demeure pas moins un jeu de massacre réalisé avec conviction (pas très beau à l'image, mais habilement rythmé, notamment par ses inserts des survivants) qui ravira les amateurs de série B de qualité. Kinji Fukasaku y aborde la perte de la valeur honneur à la japonaise, de manière bien plus ludique que les films de yakusas qui ont fait sa réputation. On peut qualifier BR de film coup de poing, par son sujet audacieux et provocateur (il s'agit d'un retour aux arènes, mais en remplaçant les gladiateurs par nos propres enfants...), mais si fun soit-il, on préfère le désespoir noir et sérieux de ses films 70's à ce défouloir finalement assez manga sur les bords (même si c'est pour notre plus grande joie que nous assisterons à ces geysers de sang sortant de notre progéniture). 

Gonin (The Five, Takashi Ishii, 1995)


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Parfaitement équilibré entre thriller, film de yakusa et film noir, Gonin propose de suivre cinq personnages qui tentent de braquer un clan Yakusa.

Bien que Gonin souffre de temps en temps de certains effets trop appuyés ("défaut" récurant, mais culturel, du cinéma asiatique), il est avant tout une réussite grâce à la richesse de ses thèmes et à son originalité quand au traitement de ses personnages. Efficace, rythmé, brutal et doté d'une très belle mise en scène, Gonin peut se comparer à un Heat ou même encore à Quand la Ville Dort.

A l'exception de son coté film de yakusa, rien n'est définitivement acquis dans Gonin. On ne cesse de découvrir les protagonistes tout au long du film, le scénario apporte inlassablement de nouveaux éléments et le tout avec grand style. Le film s'articule habilement autour de l'arrivée centrale de Beat Takeshi (Kitano, quoi), dont le personnage implacable et décalé ancrera la seconde partie dans la plus pure tradition du film noir.  

Gonin (1995) avait curieusement échappé à Doorama... : sa découverte est une excellente surprise. Le plaisir est total à la vision de ce petit bijou japonais,  il use de tous les codes du(des) genre(s), sans jamais les trahir, ni manquer d'en changer l'approche. A découvrir.